Kultur und Kunst

Griechische Kunst und Architektur, Kunst und Architektur des griechischen Kernlandes und der griechischen Kolonien von etwa 1100 v. Chr. bis ins 1. Jahrhundert v. Chr., deren Wurzeln bis in die ägäische Kultur zurückreichen. In der Zeit des Hellenismus Ende des 4. Jahrhunderts v. Chr. vermischte sie sich mit östlichen, nach Eingliederung der Peloponnes als senatorische Provinz ins Römische Reich gegen Ende des 1. Jahrhunderts v. Chr. mit römischen Stileinflüssen, als zahlreiche Römer in den teilweise zerstörten griechischen Städten eine rege Bautätigkeit entfalteten. Im Zuge der Christianisierung fiel ihre weitere Entwicklung Ende des 4. Jahrhunderts n. Chr. mit der byzantinischen Kunst und Architektur zusammen. Die griechische Kunst wirkte nicht nur stilbildend auf die römische Kunst, sondern darüber hinaus auf Kunst und Kunsthandwerk der gesamten westlichen Welt.

Venus von Milo (um 130/120 v. Chr.), Louvre, Paris

Von der griechischen Architektur und Großplastik sind relativ wenige Beispiele unbeschädigt erhalten geblieben, ebenso wenig größere Gemälde. Dagegen förderten archäologische Grabungen eine große Zahl von keramischen Gegenständen, Münzen, Schmuck und Kleinplastiken in gutem Erhaltungszustand zutage. Zusätzlich zu diesen Funden geben schriftliche Quellen aus der Antike Aufschluss über das griechische Kunstschaffen, wie sie besonders in Form der Berichte des römischen Schriftstellers Plinius des Älteren und des griechischen Historikers und Geographen Pausanias vorliegen, die von zahlreichen Werken berichten, die heute nicht mehr erhalten sind. Andere Kunstwerke, besonders griechische Großplastiken, wurden in Form römischer Kopien überliefert, die heute in den großen archäologischen Museen eine deutliche Vorstellung von deren Aussehen vermitteln.

Die wichtigsten Baumaterialien waren Kalkstein, später auch Marmor, für Dachkonstruktionen und Raumabtrennungen wurden meist Holz und Ziegel verwendet. Die Bildhauer bearbeiteten Marmor und Kalkstein, modellierten in Ton oder gossen ihre Werke in Bronze. Große Kultbildnisse wurden aus gehämmerten Bronzeplatten zusammengesetzt; meist bestanden sie aus einem Holzkörper, der mit Gold und Elfenbein ummantelt war. Stein- und Tonskulpturen waren ganz oder teilweise farbig bemalt. Für Wandgemälde oder Vasenmalereien verwendete man wasserlösliche Farben.

Die Zerschlagung der mykenischen Kultur durch einwandernde dorische Stämme (dorische Wanderung) im 12. Jahrhundert v. Chr. hatte an der Wende von der Bronze- zur Eisenzeit zu einer Art kulturellem Vakuum in Griechenland geführt. Die ersten Zeugnisse der frühen griechischen Kunst waren Keramiken und Kleinplastiken aus Bronze, in denen zum Teil mykenische Stileinflüsse überlebten. Das vorherrschende lineare Dekorationssystem der Keramikgefäße mit geometrischen Ornamentformen, wie Mäanderbändern oder Kreisen, die die klare Gliederung der Gefäße unterstrichen, gab der Periode ihre Bezeichnung. Erst seit etwa Ende des 9. Jahrhunderts v. Chr. lassen sich verstärkt figürliche Darstellungen nachweisen, wie ornamental abstrahierte Tierfriese oder Bestattungsszenen. Ein herausragendes Beispiel der geometrischen Keramik ist mit einer solchen Zeremonie bemalte Dipylonvase in der Form eines Kratérs (Metropolitan Museum of Art, New York), ein großes, sich nach oben weitendes Gefäß, das Opfergaben aufnehmen sollte. Es wurde in der Nähe des Dipylons (Doppeltores) in Athen gefunden, durch das die heilige Straße nach Eleusis führte.

Die Kolonisierung des östlichen Mittelmeerraumes durch die Griechen und der Handel mit den Phöniziern (siehe Phönizien) und anderen Völkern des Vorderen Orients beeinflusste ab dem 7. Jahrhundert v. Chr. auch den Stil der Vasenmalerei, in die orientalisierende Motiv- und Ornamentformen einzufließen begannen. Im Zuge dieser Entwicklung wurden die abstrakt-geometrischen Formen zunehmend durch organische Ornamente, wie Lotus-, Palmen-, Löwen- oder Sphinxmotive, verdrängt.

Andere charakteristische Formen des geometrischen Kunstschaffens sind Kleinplastiken aus Bronze oder Ton, die häufig Pferde darstellen, wie man sie beispielsweise in den Schatzhäusern der Heiligtümer von Olympia fand.

Die frühesten Bauwerke wurden aus Lehmziegeln, Holz und Bruchsteinen errichtet. Es handelte sich in der Regel um einfachste Gebäude mit elliptischen oder ovalen Grundrissen, die später rechteckig wurden.

In die geometrische Zeit fallen auch die Anfänge des Tempelbaues. Der Grundriss des Antentempels, der einfachsten Tempelform der spätgeometrischen Zeit, glich dem der Häuser, wie sich aus Fundamenten, die man etwa auf Samos, in Sparta, in Olympia und auf Kreta entdeckte, nachweisen lässt. Die Seitenwände der rechteckigen, kleinen Tempelgebäude waren bis über die Vorderseite hinaus vorgezogen (Anten) und formten so eine Art offene Vorhalle, deren Dach von zwei Säulen gestützt wurde. Erst in der Spätphase der geometrischen Periode begannen die Tempelbauten an Monumentalität zu gewinnen.

Ashmolean Museum, Oxford, UK/Bridgeman Art Library, London/New York

Die Archaik, in deren Verlauf sich die griechische Kultur durch weit reichende Handelsbeziehungen im Mittelmeerraum und Vorderen Orient weiter ausbreitete, spiegelt in ihrer Bezeichnung (abgeleitet von dem griechischen Wort arché: Beginn, Anfang) ihre Einordnung als eine Art Vorstufe zur Klassik. Sie ist gekennzeichnet durch die Herausbildung neuer Typen und eines verbindlichen Formenkanons in Architektur, Skulptur und Keramik, wobei insbesondere monumentalere Bauwerke und Skulpturen entstanden. Auch die Großmalerei begann sich zu entwickeln. Ägyptische und orientalische Einflüsse machten sich auch in der Vasenmalerei mit neuen Formen und Motiven bemerkbar.

Angeregt durch die monumentalen Steinskulpturen in Ägypten und Mesopotamien, die in der Regel in funktionalem Zusammenhang mit der Architektur standen und einen frontalen Charakter aufwiesen, setzte auch in Griechenland eine Entwicklung zur Großplastik ein. Sie führte zur Verwendung neuer Materialien wie Marmor oder Kalkstein, die Ton und Bronze abzulösen begannen. Den Anfang dieser Entwicklung zur Großplastik markiert eine weibliche Statuette aus Auxerre (um 660 bis 580 v. Chr., Louvre, Paris) von etwa 75 Zentimeter Höhe.

In der Monumentalplastik begannen sich zwei Figurentypen herauszubilden: der stehende Jüngling und das stehende Mädchen. Beide sind überlebensgroß und zeugen von genauer Kenntnis der menschlichen Anatomie. Sie sind durch das so genannte „archaische Lächeln” charakterisiert, das ein Mittel gewesen sein mag, den Figuren einen individuellen Ausdruck zu verleihen. Im Gegensatz zu den ägyptischen Vorbildern waren sie freistehend gestaltet und von allen Seiten vollständig ausgearbeitet. Die Jünglingsstatue (Kouros, griechisch: Jüngling) war nackt und stand mit an den Körper gezogenen Armen und geballten Fäusten aufrecht im Raum, die beiden Beine sicher auf dem Boden, das linke Bein leicht vorgesetzt. Bekannte Beispiele für diesen Typ sind der Strangford-Apollo aus Limnos (Britisches Museum, London) oder der so genannte Kroisos von Anavyssos (Archäologisches Nationalmuseum, Athen). Das stehende weibliche Pendant (Kore, griechisch: Mädchen) wurde im Gegensatz zum Kouros immer bekleidet als Gewandstatue dargestellt. Korenstatuen mit Spuren einstiger Bemalung fand man in großer Anzahl als Weihgaben auf der Akropolis in Athen, darüber hinaus begegnet man ihnen dort als Karyatiden der so genannten Korenhalle am Erechtheion.

Auch die Reliefplastik erhielt durch die Weiterentwicklung im Tempelbau wichtige Impulse und brachte später neben Architekturplastik, wie Friesen oder Metopen, auch selbständige, von der Architektur losgelöste Formen hervor, wie Grab- oder Votivstelen. Beachtenswerte Beispiele für Architekturplastik der mittelarchaischen Periode um 580 bis 535 v. Chr. sind die Friese des Apollon-Heiligtums in Delphi (Archäologisches Museum, Delphi), die eine Schlacht des Trojanischen Krieges darstellen. Auch das Ziergiebelfragment des alten Athenatempels auf der Akropolis in Athen, das den Kampf zwischen Göttern und Titanen zeigt (Akropolismuseum, Athen), ist charakteristisch für die archaische Zeit. Zu den Zeugen der spätarchaischen Periode (um 535 bis 475 v. Chr.) zählen die Skulpturen vom Giebel des Tempels der Aphaia von Ägina (Glyptothek, München).

Etwa ins 7. Jahrhundert v. Chr. fallen die Anfänge einer monumentalen Tempelarchitektur in Stein. Dafür benutzte man in den griechischen Kolonien in Italien und Sizilien meist Kalkstein, auf den griechischen Inseln war Marmor der bevorzugte Baustoff. Auf dem griechischen Festland und in Kleinasien wurde häufig ein Kern aus Kalkstein mit einem Marmormantel umgeben. Der archaische Tempel war schmal und lang gestreckt und meistens nach Osten orientiert. Im Inneren, der Cella, war das Kultbild des Gottes aufgestellt. Da die kultischen Handlungen jedoch außerhalb des Tempels im Freien stattfanden, wurde der Ausgestaltung des Innenraumes zunächst kaum Bedeutung beigemessen. Neben dem Antentempel begannen sich kompliziertere Bauformen herauszubilden, wie Doppelantentempel oder Perípteros, ein Ringhallentempel mit geschlossenem Säulenkranz.

Ebenfalls in der archaischen Zeit bildeten sich mit der dorischen und ionischen Ordnung zwei der drei klassischen Säulenordnungen der griechischen Antike heraus: Während die dorische Ordnung den Kontrast zwischen der Vertikalen und Horizontalen betont, indem sie beispielsweise auf eine Säulenbasis verzichtet, versucht die ionische Ordnung mit einer Säulenbasis und weicheren Formen dazwischen zu vermitteln. Dies wurde z. B. dadurch erreicht, dass man dem Architrav mittels treppenartiger Unterteilung durch Faszien seine optische Schwere nahm. Dorische Tempel haben sich bis heute u. a. in Korinth (Apollontempel), Syrakus, Paestum, Selinunt, Pompeji, Tarent oder Kerkira (heute Korfu) erhalten. Besonders bemerkenswert ist der Poseidontempel in Paestum (450 v. Chr.).

 Um 675 v. Chr. setzte sich in Korinth, das ausgedehnte Handelsbeziehungen zu den griechischen Kolonien in Italien und zum Orient unterhielt, der schwarzfigurige Vasenstil durch, bei dem man die tongrundigen Gefäße mit schwarzen Figurensilhouetten bemalte, deren Binnenzeichnungen erst nach dem Brand eingeritzt wurden. Bevorzugte Motive waren Tiere oder Fabelwesen, die, unterbrochen von Füllornamenten, in Schmuckbändern angeordnet waren.

Gegen Mitte des 6. Jahrhunderts v. Chr. begann Athen die führende Rolle in der Vasenproduktion zu übernehmen. Die große Beliebtheit attischer Vasen lässt sich durch Keramikfunde auf den ägäischen Inseln, in Nordafrika, in Vorderasien, in Italien, auf Sizilien, in Frankreich, Spanien und auf der Krim belegen. Beim so genannten rotfigurigen attischen Vasenstil wurden die Gefäße unter Umkehrung der Farbwerte schwarz gefirnisst, wobei Figuren und Ornamente ausgespart, also tongrundig blieben, die Binnenzeichnung wurde mit einem Pinsel aufgetragen. Der bis dahin vorherrschende Tierfriesstil wurde dabei zunehmend durch einen erzählenden Stil abgelöst, der indirekt auch einen Eindruck von der zeitgleichen Großmalerei vermittelt.

Seit dieser Zeit lassen sich erstmals mit Hilfe von Inschriften die Künstler, die die Vasen gestalteten, ermitteln. Ungefähr 30 Vasenmaler zeichneten Gefäße namentlich, etwa 100 lassen sich anhand ihres Stiles identifizieren. Den unbekannten Malern gab man Hilfsnamen, entweder nach den heutigen Aufbewahrungsorten ihrer Arbeiten (z. B. der Berlin-Maler), einem dominanten Bildmotiv (der Schwein-Maler) oder dem Namen eines Töpfers, für den der betreffende Maler arbeitete (der Amasis-Maler). Zu den Meisterstücken jener Zeit zählt die so genannte François-Vase, die 560 v. Chr. von Ergotimos hergestellt und von Klitias bemalt wurde (Museo Archeologico, Florenz), die Dionysosschale des Exekias (Glyptothek, München) und Werke von zwei der bedeutendsten Maler des schwarzfigurigen Stiles, Lydos und dem Amasis-Maler (u. a. Metropolitan Museum of Art, New York).

Die Wende zur klassischen Kunst stand unter den Nachwirkungen einschneidender historischer Ereignisse, wie dem Ende der Tyrannenherrschaft in Athen und dem erfolgreichen Kampf der Griechen gegen die Perser. In der Zeit des Perikles erreichte Athen seine größte Machtentfaltung, die einherging mit einer einzigartigen kulturellen Hochblüte, so dass die Kunst der klassischen Periode im Wesentlichen gleichzusetzen ist mit der Entwicklung der attischen Kunst mit Zentrum in Athen.

Die frühklassische Periode, die etwa in die Zeit zwischen 475 und 450 v. Chr. fällt, war gekennzeichnet durch die Bemühungen des Athener Staates, die durch die Perserkriege verursachten Verwüstungen zu beseitigen, um sein Wiedererstarken in militärischer und wirtschaftlicher Hinsicht auch im kulturellen Bereich zu demonstrieren.

In der frühklassischen Zeit erreichte der dorische Baustil seine Hochblüte, indem er sich in Formen und Proportionen zunehmend verfeinerte. Ein herausragendes Beispiel ist der Zeustempel in Olympia aus der Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr., bei dem ein strenges Proportionsschema in großartiger Weise verwirklicht wurde.

In der frühklassischen Phase wurde der starre Formalismus der archaischen Periode durch komplexere Kompositionen überwunden. Die Skulpturen haben das „archaische Lächeln” verloren und zeigen jetzt eine große Ernsthaftigkeit. Sie sind großflächiger und ruhiger gearbeitet und verzichten auf die zahlreichen Details, die für die archaische Periode typisch waren. Sie sind weiterhin in Schrittstellung dargestellt, wobei jedoch erstmals zwischen Stand- und Spielbein unterschieden wird (siehe Kontrapost). Die Haare sind jetzt kurz, die Augenlider breiter. Wichtige Plastiken dieser Zeit, die in der Kunstgeschichte als strenger Stil bezeichnet wird, sind die Giebelstatuen des Zeustempels in Olympia (Archäologisches Museum, Olympia), der Wagenlenker (Archäologisches Museum, Delphi), oder der Kritiosknabe, der nach seinem Schöpfer, einem attischen Bildhauer, benannt wurde, und der Blonde Kopf (beide Akropolismuseum, Athen).

Die Bildhauer jener Zeit stellten ihr Modell im Augenblick vor oder nach einer bedeutenden Handlung dar, im Zustand spannungsvoller Ruhe. Auf dem Ostgiebel des Zeustempels in Olympia beispielsweise sind die Vorbereitungen für das Wagenrennen zwischen Oinomaos und Pelops zu sehen, das von Zeus überwacht wird. Der Westgiebel dagegen ist von der Dramatik der Kampfhandlung zwischen Lapithen und Kentauren beherrscht. Die zwölf Metopen (Zwischenfelder zwischen den Triglyphen) dieses Tempels zeigen die unter größter Anstrengung verrichteten zwölf Arbeiten des Zeussohnes Herakles, der von der Göttin Athena unterstützt wird.

Viele Werke der Frühklassik gingen bereits im Altertum verloren, manche sind jedoch als römische Kopien erhalten, wie die Tyrannenmörder (Nationalmuseum, Neapel) von Kritios und seinem Mitarbeiter Nesiotes sowie diverse Werke Polyklets, u. a. der berühmte Dorýphoros (griechisch: Speerträger; Nationalmuseum, Neapel), der Diadoúmenos, der sich die Siegerbinde um den Kopf legt (Archäologisches Nationalmuseum, Athen), und die Amazone (Metropolitan Museum of Art, New York).

Von den Anfängen der griechischen Großmalerei aus frühklassischer Zeit gibt es nur ungenaue Vorstellungen, die sich auf Quellenmaterial antiker Schriftsteller stützen. Dies gilt auch für die Arbeiten Polygnots, des größten Malers seiner Zeit. Seine Wandbilder in der Versammlungshalle von Delphi, die den Sieg über Troja und die Totenwelt darstellten, wurden von Pausanias beschrieben. 1968 wurde in Paestum ein griechisches Grab mit Freskenmalereien aus der Zeit um 470 v. Chr. (Museo Archeologico, Paestum) gefunden, die einen Eindruck von den Fertigkeiten der frühklassischen Wandmaler vermitteln. Die Gesichter der Figuren, die an einem Bankett teilnehmen, sind im Profil dargestellt, und erstmals finden sich Landschaftsdarstellungen.

In der Vasenmalerei, die zunächst noch von der Umrisszeichnung lebt, setzten sich monumentalere Kompositionen durch. Die Formen werden komplexer, und die Darstellungen beginnen erstmals räumliche Tiefe anzunehmen. Herausragende Vertreter dieser Phase sind der Pistoxenos-Maler, der Niobiden-Maler oder der Penthesileia-Maler.

Die Hochklassik, deren Beginn um die Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr. anzusetzen ist, fällt in die Regierungszeit des Perikles, der führende Künstler aus ganz Griechenland nach Athen zog. In dieser Epoche erlebten Literatur und bildende Kunst eine nie da gewesene und später nie wieder erreichte Blüte (siehe griechische Literatur).

Die Baukunst der Hochklassik war gekennzeichnet durch die Bemühung, gegensätzliche Elemente harmonisch zu vereinigen, der Kanon der dorischen Ordnung wurde mit ionischen Elementen durchsetzt.

In den westlichen Kolonien wurde der riesige Apollontempel von Selinus (Selinunt) auf Sizilien nach hundertjähriger Bauzeit fertig gestellt. In Athen und Attika ließ Perikles zahlreiche Tempel wiederherstellen, die von den Persern niedergebrannt worden waren. Die Aufsicht über die aufwendigen Bauprojekte auf der Akropolis übertrug er dem Bildhauer Phidias. Unter dessen Leitung wurde dort u. a. der Parthenon, der Tempel für die Stadtgöttin Athena, von den Architekten Iktinos und Kallikrates errichtet. Er entstand an der Stelle des alten Athenatempels (Hekatompedon), der um 570 v. Chr. gebaut, um 530 v. Chr. erweitert und 480 v. Chr. während der Perserkriege zerstört wurde. 447 v. Chr. begann man mit der Errichtung des neuen Gebäudes aus Marmor von den Steinbrüchen am Pentelikongebirge nordöstlich von Athen.

Das Bauwerk ist als dorischer Ringhallentempel (Perípteros) konzipiert und von einer ungewöhnlich großen Säulenhalle umgeben, die an der Vorder- und Rückseite von jeweils acht, an den Längsseiten 17 Marmorsäulen von etwa zehn Meter Höhe getragen und von einer marmornen Kassettendecke abgeschlossen wird. Das Innere des Heiligtums, die Cella, war in zwei Bereiche gegliedert, die jeweils durch eine Vorhalle zugänglich waren. Die Decke des größeren Raumes im Osten, der die berühmte Goldelfenbeinstatue der Athena von der Hand des Phidias enthielt, wurde an drei Seiten von einer zweistöckigen dorischen Säulenreihe getragen, die des kleineren Raumes im Westen, in dem später der Bundesschatz aufbewahrt wurde, von vier langen ionischen Säulen.

Die aufwändige Bauplastik des Parthenon wurde wohl von Phidias entworfen, lag jedoch in der Ausführung hauptsächlich in den Händen seiner Schüler. Von den insgesamt 92 Metopen zeigten diejenigen auf der Ostseite Szenen der Gigantomachie (Kampf der Giganten gegen die Götter des Olymp), an der Westseite die Amazonenschlacht, an der Nordseite den Kampf um Troja und an der Südseite die Schlacht zwischen Lapithen und Kentauren. Im östlichen Giebel war die Geburt der Athena dargestellt, die von den olympischen Göttern umgeben ist, im Westgiebel ihr siegreicher Kampf mit dem Meeresgott Poseidon um Attika. Ein Teil der Skulpturen befindet sich heute unter der Bezeichnung Elgin Marbles im Britischen Museum in London.

Vanni Archive/Corbis

Ausschnitt des Frieses im Parthenontempel

Eine weitere architektonische Großleistung jener Zeit war die Errichtung der Propyläen (griechisch: vor den Toren), des monumentalen Eingangs zur Akropolis, durch den Baumeister Mnesikles. Um 437 v. Chr. begonnen, wurden sie, wahrscheinlich wegen des Ausbruchs des Peloponnesischen Krieges 431 v. Chr., nie vollendet. Sie bestanden aus fünf Toren, zwei sechssäuligen Hallen, die den beiden Seiten vorgelagert waren, und seitlichen Flügelbauten.

Ein weiteres Werk im dorischen Stil ist das Hephaisteion (früher Theseion genannt), westlich der Agora in Athen gelegen, einer der am besten erhaltenen klassischen Tempel in Griechenland. Im dorischen Stil gehalten ist auch der Tempel des Apollon Epikourios (450 v. Chr.) in Bassai in Arkadien, der ebenfalls von Iktinos errichtet wurde. Hier wurde nicht nur das Hauptgewicht vom Äußeren in den Innenraum verlagert, sondern auch erstmals korinthische Kapitelle verwendet.

Als letzter ionischer Tempelbau auf der Akropolis entstand das Erechtheion gegenüber dem Parthenon, dessen komplexe Bauform auf die Integration mehrerer älterer Kultmale zurückzuführen ist. Als Gebälkträger der südlichen Vorhalle (so genannte Korenhalle) fungieren anstelle von Säulen Karyatiden.

Der ebenfalls im ionischen Stil erbaute Tempel der Athena Nike an der südwestlichen Ecke der Akropolis blieb bis ins 17. Jahrhundert erhalten, wurde später von türkischen Truppen abgerissen, die dort einen Artilleriestand errichteten, und erst 1835 rekonstruiert.

Scala/Art Resource, NY

Die bedeutendsten Bildhauer der hochklassischen Periode waren Phidias und Polyklet, der im klassischen „Kanon” grundlegende Erkenntnisse zur Proportionslehre niederlegte und den Kontrapost als grundlegendes Gestaltungsprinzip der stehenden männlichen Freiplastik einführte. Er schuf u. a. die riesigen Goldelfenbeinstatuen des Zeus in Olympia und der Athena im Parthenontempel, von denen weder die Originale noch maßstabsgerechte Kopien erhalten sind. Lediglich Darstellungen auf Münzen vermitteln einen Eindruck vom Aussehen der Zeusstatue, während es sich bei der Statuette von Varvakeion um eine stark verkleinerte Replik der Athena handeln könnte. Der Kopf der Athena Lemnia (Museo Civico Archeologico, Bologna) ist eine römische Kopie einer Skulptur des Phidias, die zusammen mit den Arbeiten seiner Schüler Alkamenes und Agorakritos eine recht gute Vorstellung von dessen Werken vermittelt.

Zeitgleich mit dem Parthenon entstand die Geflügelte Nike des Paionios in Olympia und herausragende Werke des Bildhauers Myron. Sein Diskóbolos (Diskuswerfer) sowie die Gruppe Athena und Marsyas (siehe Marsyas), die früher auf der Akropolis standen, sind ebenfalls nur als Kopien erhalten.

Die Figuren der Vasenmalerei der hochklassischen Zeit zeigen Ansätze von Zentralperspektive, die sie leicht räumlich erscheinen lässt. Sie vermitteln einen recht guten Eindruck von der gleichzeitigen Großmalerei der Meister Apollodoros und Zeuxis, von der sich keine Beispiele erhalten haben. So soll Zeuxis Weintrauben so naturnah gemalt haben, dass Vögel versuchten, sie anzupicken.

Nach dem Verlust seiner Vormachtstellung im Peloponnesischen Krieg (431-404 v. Chr.) büßte der Stadtstaat Athen auch seine Vorreiterrolle im kulturellen Bereich ein. Die Uneinigkeit der griechischen Städte untereinander führte zur Herausbildung zahlreicher unabhängiger Macht- und Kulturzentren in Griechenland. In den bildenden Künsten verlagerte sich das Interesse von repräsentativen Großprojekten auf das Individuum, das auch bevorzugtes Thema der Philosophie und Dichtkunst jener Zeit war (siehe griechische Literatur).

In der Tempelarchitektur dominierte weiterhin der dorische Baustil, wobei häufig der Vorraum hinter der Tempelcella weggelassen wurde. Ein Beispiel hierfür ist der Tempel des Asklepios in Epidauros (um 380 v. Chr.). Die korinthische Säulenordnung, eine schlankere Modifizierung der ionischen Ordnung mit Akanthusblättern an den Kapitellen, die sich Ende des 5. Jahrhunderts v. Chr. entwickelte, wurde in den Innenräumen der kreisförmigen Tholos (360 v. Chr.) in Epidauros verwendet, die von Polyklet dem Jüngeren entworfen wurde. Daneben eröffneten sich neue Bauaufgaben, wie Theatergebäude, die früher nur aus Holz bestanden hatten und nun in Stein ausgeführt wurden, wie das Theater von Epidauros (350 v. Chr.).

In Vorderasien kam es zu einer Wiederbelebung des ionischen Stiles. Eines der herausragenden Gebäude war das Mausoleum von Halikarnassos, das riesige Grabmal des Mausolos, König von Karien (um 376 bis 353 v. Chr.), das zu den Sieben Weltwundern der Antike gezählt wurde. Es stand auf einem Sockel, war von ionischen Säulen umgeben, wurde von einer Pyramide oder Quadriga (vierspänniger Wagen) bekrönt und soll mit Friesen des Skopas und anderer attischer Bildhauer geschmückt gewesen sein. Teile des Gebäudes sind im Britischen Museum in London ausgestellt.

Die spätklassische Bildhauerei wurde von Lysippos, Praxiteles und Skopas geprägt, die bahnbrechende Leistungen auf diesem Gebiet erbrachten. Lysippos, ein Meister des Erzgusses, der in Sikyon eine große Werkstatt leitete, schuf Bronzestatuen junger Athleten, wie den verlorenen Apoxyomenos (griechisch: der Kratzer, um 330  Chr., Kopie in den Vatikanischen Museen, Rom). Er setzte neue Proportionen fest, indem er die Körper schlanker und straffer, die Köpfe kleiner arbeitete. In seiner Eigenschaft als Hofbildhauer Alexanders des Großen verschaffte er dem Herrscherporträt Eingang in das allgemeine Repertoire der Bildhauerkunst.

Der wohl bedeutendste Bildhauer seiner Zeit war Praxiteles, der Marmorstatuen in einem weichen, eleganten Stil von eher verhaltenem Temperament schuf. Den Hermes mit dem Dionysosknaben (um 330 bis 320 v. Chr., Archäologisches Museum, Olympia) hält man für eines seiner Originalwerke. Seine Aphrodite von Knidos (um 350 v. Chr., als römische Kopie in den Vatikanischen Museen, Rom) ist der erste weibliche Akt in der griechischen Großplastik.

Sein Zeitgenosse Skopas, der den Bau des Athenatempels in Tegea leitete, verlieh seinen Skulpturen einen pathetischeren Ausdruck. Als Kopie eines seiner Werke hat sich u. a. die Marmorstatuette einer rasenden Mänade (Dresden) erhalten.

Aus Nekropolen in Tanagra (Ostböotien) sind zahlreiche Terrakottastatuetten überkommen, die als Grabbeigaben dienten und namengebend für eine ganze Gattung der Kleinplastik wurden (Tanagra-Figurinen). Sie sind mit Temperafarben bemalt und zeigen Darstellungen aus dem Alltagsleben.

Die attische Grabstele des 5. und 4. Jahrhunderts v. Chr. bestand aus einer rechteckigen Platte, die bemalt oder mit Relieffiguren verziert, zuweilen auch mit einem Giebel bekrönt oder mit Inschriften versehen war. In Ausdrucksstärke und Pathos erlebte sie in dieser Zeit ihre höchste Blüte.

Beispiele der griechischen Großmalerei des 4. Jahrhunderts v. Chr., auch ihrer bedeutendsten Vertreter Apelles, Pamphilos und Pausanias, sind nicht überliefert. Ihr Einfluss lässt sich jedoch an den illusionistischen Trompe-l’œil-Landschaften und Architekturmotiven an den Wänden der römischen Häuser in Pompeji und Herculaneum aus dem 1. Jahrhundert v. Chr. ablesen.

Bereits Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr. hatte sich die attische Vasenproduktion verstärkt nach Unteritalien verlagert. Nach 320 v. Chr. wurden von Athen aus nur noch bemalte Vasen exportiert, die als Preise an die Athleten der Panathenäen verliehen wurden.

Nachdem Alexander der Große die griechischen Stadtstaaten erobert hatte, verbreiteten seine Armeen die griechische Kultur im gesamten Nahen Osten. Parallel dazu begannen in den folgenden Jahrhunderten Einflüsse aus dem Osten in den griechischen Kulturraum vorzudringen. Der Hellenismus, der im eigentlichen Sinne kaum innovativ wirkte, war gekennzeichnet durch eine neuartige Mischung griechischer und vorderasiatischer Stilformen mit einer Neigung zum Monumentalen und Repräsentativen, die vor allem in den reichen Städten Vorderasiens und im ägyptischen Alexandria zum Ausdruck kam.

Während die dorische Ordnung weiterhin bei kleineren Tempelbauten dominierte, entstanden im kleinasiatischen Raum monumentale Tempel mit ionischer Säulenordnung. Ein Beispiel hierfür ist der Apollontempel in Didyma (um 300 v. Chr.), ein riesiger ionischer Dipteros mit doppelter Ringhalle und offenem Innenhof anstelle der geschlossenen Cella. Die korinthische Säulenordnung begann sich durchzusetzen, wie etwa am Tempel des olympischen Zeus in Athen (begonnen 174 v. Chr.), der vom syrischen König Antiochos IV. in Auftrag gegeben wurde. In Syrakus, Pergamon, Priene und Magnesia wurden monumentale Altäre errichtet.

Apollontempel von Didyma (Türkei)

Neben den dorischen und ionischen Sakralbauten stellten sich im Hellenismus neue Aufgaben im Bereich des Profanbaus, der häufig Repräsentationszwecken diente und zur Errichtung größerer Ensembles führte. Diese waren häufig nach den Grundsätzen von Symmetrie und Axialität angelegt. Es entstanden u. a. Gymnasien (Sporthallen), Bibliotheks-, Theater- und Versammlungsgebäude. Zur Steigerung ihrer dekorativen Wirkung wurden die verschiedenen Bauordnungen miteinander vermischt und auch am Außenbau verstärkt korinthische Säulen verwendet, wie beim Lysikratesdenkmal in Athen (um 334 v. Chr.).

Der nach dem Zerfall von Alexanders Großreich beginnende Aufstieg der hellenistischen Dynastien, wie der Ptolemäer oder Seleukiden, führte zur Herausbildung verschiedener lokaler Kunstzentren, in denen man sich an den Traditionen der klassischen Periode orientierte, deren Stilelemente man in eklektizistischer Manier miteinander vermischte. Im Sinn des wachsenden Repräsentationsbedürfnisses ist eine verstärkte Auseinandersetzung der plastischen Figur mit anderen Figuren sowie dem umgebenden architektonischen Raum festzustellen, während sie in der Klassik noch ganz dem baulichen Kontext untergeordnet war oder in sich selbst geruht hatte. Neben gesteigerter Pathetik ist eine Rückwendung zu Motiven aus der Mythologie charakteristisch. Beispiel hierfür ist der den Zeusaltar von Pergamon (heute als Pergamonaltar im Pergamonmuseum, Berlin) dominierende 120 Meter lange Fries, auf dem in heftiger Bewegtheit der Kampf zwischen Giganten und Göttern des Olymp dargestellt ist.

In der Zeit des Hellenismus entstanden Skulpturen und Skulpturengruppen mit offenen Formen, wie der Schlafende Satyr oder Barberinische Faun (Glyptothek, München), die Nike von Samothrake oder die Aphrodite von Melos, die auch unter der Bezeichnung Venus von Milo bekannt ist (alle Louvre, Paris). Viele dieser Bildwerke wurden von den Römern kopiert, wie die berühmte Laokoon-Gruppe eines Künstlers von Rhodos aus dem 1. Jahrhundert v. Chr. (Vatikanische Museen, Rom), ein freiplastisches Ensemble, das den Todeskampf des Laokoon und seiner beiden Söhne darstellt.

Vatikanische Museen und Gallerien, Vatikanstadt, Italien/Bridgeman Art Library, London/New York

Laokoon-Gruppe